ese algo

Guardiola y lo imposible

2010-09-15T15:01:00.005+02:00

Pep Guardiola, el mejor entrenador vivo.

Hace unos cinco meses se me ocurrió hacer una campaña de promoción de mi página de Facebook, que se titula ES IMPOSIBLE, que recoge la actividad de los cuatro blogs donde hablo de arte, muestro mis trabajo y demás.
La intención era captar nuevos seguidores.
El motivo principal por el que se me ocurrió hacer un vídeo de promoción es que un día en un telediario vi a Pep Guardiola, entrenador de Barça y con el que tengo cierto parecido físico, decir de su boca la expresión ES IMPOSIBLE en una rueda de prensa. Así que decidí cortar y pegar estractos de ese vídeo y formularle preguntas a las que él respondiese lo que a mi me diese la gana.

Pep Guardiola, el mejor embajador posible.

He visto el anuncio en vídeo del Banco Sabadell y no me ha llamado especialmente la atención. Sin embargo, hace un par de días y enfrente de mi casa vi un cartel de esa campaña en una marquesina que me hizo mucha gracia.
Era la foto que ilustra este artículo: Pep Guardiola en posición de tres cuartos, sobre un fondo negro y visto desde abajo con un lema que dice así:

"Cada uno tiene que

luchar por ser el mejor, pero

sin los demás, es imposible"

"Absolutamente imposible".

Blanco, negro y azul.

El mejor y lo imposible.

Ya sé que es casualidad...

Porqué unos cuadros son mejores que otros

2010-08-09T18:13:00.001+02:00

Estos Cristos son hombres distintos.

Grunewald (1512). Velázquez (1632). Goya (1780). Dalí (1951)

(Cliquen aquí para ver la imagen en grande)

Una de las cosas más habituales y comprensibles al pasar delante de un cuadro tan común como un Cristo crucificado es pensar: "ah, un Cristo crucificado" y pasar de largo, aunque sea de un pintor importante.

Sin embargo, más allá de lo que parece, un cuadro como los de la parte de arriba pueden representar más cosas que una ilustración bíblica (que conste que no haré argumentaciones religiosas o basadas en la historia del arte sino artísticas).

Sin duda alguna demostraré que el de Velázquez es el mejor.

Por lo que se ve en cada uno de ellos, en el de Grunewald tenemos a un Cristo en pose exagerada, raquítico y feo. Feo porque Cristo, el salvador de los cristianos, aparece retorcido, con sombras que le marcan la deformación del cuerpo, en una cruz hecha con dos maderas diferentes y retorcido. ¿qué opinan sobre enseñar al salvador de esta manera?.

El de Velázquez tiene un cuerpo trabajado (perfecto), proporcionado y descansa. Reposa su cuerpo sobre una pierna y tiene la cabeza aguachada. ¿Está vivo o muerto?. Aunque está clavado en la cruz, no es como la anterior. Es una madera sólida, limpia, bien cortada, regular. Y lo más importante, ¿de dónde viene la luz en el Cristo de Velázquez?. Esta pregunta responde a si está vivo o muerto.

¿Alguien puede decirme qué le pasa al de Goya? ¿Y cómo es su cuerpo, gordo (tiene barriguita), flaco...?¿Es un cuerpo que ha trabajado, como el de Velázquez? Si cuerpo reposa, como el de Velázquez, entonces porqué grita. En resumen, ¿cómo es el cuerpo?¿Por qué grita?¿De dónde viene la luz? ¿Cómo es la cruz, de qué madera?¿Tiene los brazos levantados o está colgado?¿A qué clase social pertenecía este modelo, un paria como el primero, un currante como el segundo,...?.

El de Dalí está colgado de la cruz y se ha volcado hacia adelante y está visto desde arriba y no le vemos la cara. Sin embargo vemos algo que parece que no viene a cuento, una playa y una barca que, desde donde vemos a cristo, está delante de su cara. Es el único de los cuatro que tiene un punto de vista diferente (cenital), ¿por qué?. Es el único al que no vemos la cara, ¿por qué?. Y es el único qué en el que se representan dos escenas, ¿qué relación hay entre ellas? Estas preguntas reponden si está vivo, muerto o en tránsito.

Como ven esto no son sólo cuatro cristos y además unos son mejores que otros.

Las obras de arte se mueren si están vivas

2010-08-07T14:24:00.000+02:00

Las obras de arte, por definición, tienen que ser objetos que, desde que están terminados, se resisten a morir. Es decir que su vida empieza cuando el artista deja de meter mano porque sólo aquello que está vivo se resiste a morir.
Les hablaría hoy de la calavera del artista más importante del mundo, Damien Hirst, pero ya lo hice en su día, así que hablemos de su tiburón tigre. Se titula La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo.
Es bastante claro, ¿no?.
Una mente, viva por definición, no es físicamente capaz de pensar en la muerte y como consecuencia (física) la rechaza.
¿Y a qué cosa ha puesto este título? A un tiburón muerto en formol.
¿Y qué le pasa a un tiburón en formol? Que se pudre. Por muy sofisticada que sea la mezcla de formol, por mucho que avance la conservación de organismos muertos, la carne muerta se pudre.

Este tiburón acabará por pudrirse. Y quién no.

¿Y qué es lo que se pudre? El tiburón, que deja de ser un tiburón para convertirse en… qué.
Se entiende que un tiburón es amenazante. ¿Cómo será un tiburón medio podrido dentro de un cubo de formol (¿no sería maravilloso que lo dejasen pudrirse y todos pudiésemos verlo?)? ¿Dejará de ser amenazante? ¿En qué nivel de putrefacción?.
¿Se pueden imaginar este tiburón con a mitad de su cuerpo podrido(es algo inevitable)?
¿Ustedes qué piensan?.
Si hay un compromiso por parte del artista para reemplazar este tiburón por otro, si se pudre (repito, es inevitable), ¿hasta cuántos tiburones está obligado el artista a reemplazar?.
Y cuando ya no reemplace más ¿dejará la obra de ser interesante? “¿se morirá?”.
¿Cuanto se puede negar lo inevitable?.
Y lo más importante, qué hacer mientras eso llega.

Una pintura no huele a nada y una película tampoco

2010-07-25T15:52:00.000+02:00

¿Se imaginan que un inventor consigue un mecanismo para transferir olor a las películas?
Me refiero a que ustedes vean un prado en la pantalla y puedan oler la hierba que ven. Y no digo que se imaginen el olor de la hierba sino que por un sistema (como el que sincroniza imagen y sonido en las películas) les sea posible oler la hierba de un prado o el humo del tabaco cuando Bruce Willis se enciende un pitillo.
¿Se lo imaginan?
Si hubiese un sistema como el que acabamos de imaginar, que funcionase, los directores de cine tendrían que incorporarlo a sus películas, como tuvieron que hacer con el sonido y el color en su día.
En principio trasladarían olores literalmente (aparecería hierba y olería a hierba), pero un día llegaría "un listo" y mezclaría el olor a hierba con el del cigarro que se enciende el protagonista en la escena siguiente.
Pasado el tiempo, los directores serían capaces de transportarnos con las imágenes, el sonido y también con los olores.
Este sistema se haría cada vez más sofisticado hasta llegar un punto en que creamos el olor de la hierba a partir de otros olores y la gracia sería descubrir qué olores ha empleado tal o cual director para crearlos.
¿Cómo huele la piel de tu amada?¿Y la muerte?¿Y un campo de concentración?.
Pues habría que crear metáforas olfativas, supongo.
Para pensar en todo esto hay que ser un poco ingenuo ya que, de otra manera, porqué preocuparse por estos olores.
Bien, pues este sistema para crear olores en las películas no existe.

Restos fósiles en manos de Caravaggio.

Pero sí existe con la vista y se llama pintura.
Esto es el arte.

¿Porqué pensar en lo que no está inventado pudiendo disfrutar de lo que sí lo está e inspirarse, si quieren, en eso?.
Lo que hay en un Caravaggio no son más que esencias fósiles, vegetales y animales de distintos tonos mezcladas con aceites.
Esto es. Sólo esto.
Y sin embargo fíjense en lo que hace…
Pero ya les digo que hay que conservar un poco de ingenuidad para verlo sino sólo verán aceite mezclado con porquería.

John Malkovich de Helmut Newton

2010-01-26T09:13:00.004+01:00

A John no le va a pasar nada.

Un hombre viste sobre un chaquetón raído una capa de lana con una gran capucha que le cae por los lados. La capucha está ahuecada y posada sobre su cabeza así que vemos que tiene el pelo blanco y peinado hacia atrás. También tiene barba de unos días.
El hombre mira al frente con la cabeza pero nos mira desde su posición un poco elevada y en tres cuartos.
Su boca hace una arruga en la comisura derecha mientras abre los brazos con las manos entrelazadas y los pulgares hacia arriba.
Al fondo, torcida, una vidriera decorada con una esvástica adorna el edificio (torcido) de tintes góticos.
John no parece preocupado.

Espacio Atlántico no es Puro Arte

2010-01-17T22:49:00.004+01:00

El Instituto Ferial de Vigo recoge, desde el jueves pasado hasta esta noche, la feria de arte Espacio Atlántico, heredera de Puro Arte, que se venía organizando desde 2006.
Pero Espacio Atlántico no es Puro Arte.
Releyendo las impresiones sobre la anterior edición, en este mismo blog, la verdad, debería estar muy contento.
Escribía entonces sobre la falta de enfoque de la feria, la baja calidad de las galerías por la arbitrariedad de la selección, la falta de implicación de la comunidad artística gallega, la presencia significativa de galerías del entorno -España y Portugal- y la dejadez general (ni siquiera actualizaban su propia página web).
Como decía debería estar contento y lo estoy.
Espacio Atlántico ha partido de la implicación de todo el sector artístico gallego, la calidad e implicación.
Y es para celebrarlo, sobre todo por la intención de construir algo bien hecho, que realmente funcione y, claro, funciona.
Sólo hay una cosa que echo de menos, en esta y en otras ferias como Arco (no voy a entrar en la discusión sobre el modelo de las ferias de arte).
Me refiero a la falta de contenido artístico. Hay cuadros pero falta contenido, ideas, y eso también es lo que se vende en el arte, ideas, que nadie anda sobrado a estas alturas. Y sólo pueden estar presentes en un contexto adecuado y este no lo parece.
Si no uno acaba por pensar que son accesorias.
Quiero decir que a pesar de ser una fiesta, debería ser también una celebración del arte.
Me explico. No quiero decir que haya algo que esté mal sino que hay algo muy importante que no está, puntos de encuentro específicos para exponer temas, debate público entre las partes implicadas (galeristas, artistas, coleccionistas, expertos, etc.).
Aunque sea una feria y se organiza para vender, lo que se vende es arte. En fin, que pediría para la próxima edición que tenga un toque… cómo decirlo, más artístico.

Nicholas Cage de Helmut Newton

2010-01-15T16:44:00.003+01:00

Nicholas no deja lo que está haciendo.

Un hombre de negro, con las manos al volante de un coche deportivo, ha girado la cabeza. Completa el recorrido con los ojos hasta mirarnos, en la parte trasera del exterior del coche.
Tiene la ventana bajada aunque fuera está lloviendo.
Al fondo, una pared mojada. Ha llovido mucho.

Jack Nicholson y Robert Evans de Helmut Newton

2010-01-13T09:12:00.002+01:00

Jack y Robert no son iguales.

Dos hombres se miran de frente. Tienen casi la misma altura, edad similar y llevan el pelo hacia atrás.
El de la izquierda, con un edificio detrás, viste chaqueta de cuadros y polo negro.
El de la derecha está delante de un coche aparcado frente al edificio. Lleva camisa de cuellos grandes y chaleco negro.
Mira a los ojos del otro hombre sin expresión, con la frente lisa y la boca cerrada, lo que hace que se le marque una arruga debajo de la boca.
El hombre de la chaqueta, que es un poco más bajito, le devuelve la mirada con los ojos medio cerrados.
Y ahí están los dos.

Margaret Thatcher de Helmut Newton

2010-01-02T11:37:00.004+01:00

Margaret mira de frente y no le ciega la luz.

Delante de la oscuridad una mujer posa recta y mira de frente hacia nosotros. Sonríe y se le ven un poco los dientes. Tiene arrugas a los lados de la boca y en el cuello, no es una mujer joven. Además tiene el pelo cano; ahuecado y peinado hacia atrás.
Pendientes y collar de perlas, traje estampado y chaqueta cruzada negra con el mismo dibujo en las solapas.
La luz le llega casi de frente, desde la izquierda, pero ella sigue mirando al frente.

Salvador Dalí para Helmut Newton

2009-12-30T19:41:00.000+01:00

Salvador es él.

Un Hombre con una bata de raso hasta el suelo, con una banda cruzada en el pecho, nos mira con la boca abierta y un tubo metido en la nariz. Está sentado en un sillón blanco, apoyado en cojines blancos en una habitación con paredes barrocas pintadas y suelo ajedrezado.
Es Dalí.

Dennis Hopper de Helmut Newton

2009-12-17T19:13:00.001+01:00

Dennis juega con una cabeza.

Delante de un paisaje con sus casas bajas, sus palmeras y su cielo despejado vemos a un hombre maduro, con su raya al lado y sus canas. Va vestido todo de negro, con camiseta de manga corta.
De pie frente a nosotros, delante de la barandilla de una terraza sostiene la cabeza de una mujer joven que está de espaldas a él arrodillada.
El hombre ha girado la cabeza de la chica hasta que a ella se le han tensado los músculos del cuello.
Ella viste camiseta de tiras y se le cae la cazadora que lleva por encima pero, a pesar de la postura, no nos baja la mirada.
Él simplemente nos mira con los ojos entornados.

Daryl Hannah por Helmut Newton

2009-12-05T13:19:00.003+01:00

Daryl hace piruetas.

En una despejada ciudad con el sol saliendo por la derecha, una mujer está colgada de unas anillas como las de gimnasio pero al aire libre.
La mujer lleva guantes y botas deportivas negras con calcetín blanco y un bañador, blanco también, de cadera alta y espalda tan ancha que casi se le escapa el pecho por los lados.
La mujer se agarra con las muñecas hacia dentro y los pulgares hacia abajo y ha metido los empeines por las anillas quedándole los pies hacia fuera, lo que ha hecho que se le abran las piernas.
El sol ilumina sus muslos, sus rodillas y su espalda y mientras ella, que ha girado la cabeza, nos mira de frente desde arriba, ahí colgada, con su pelo rubio y ondulado cayéndole por la cara.
Helmut no espera que baje antes de marcharse.

El origen del mundo y Helmut Newton

2009-11-05T20:42:00.000+01:00

Helmut sabe que lo enfocado es lo de atrás.

Un hombre se asoma a la imagen hasta la mitad de la nariz y mira a la cámara desde demasiado cerca, se ve desenfocado. Lleva gafas redondas graduadas y las cejas se le arquean por encima.
Lo que sí está enfocado es el cuadro que tiene detrás, con un gran marco dorado, con muchos brocados y con el efecto de un marco dentro de otro y más brocados y más encuadres...
El cuadro enseña a una mujer tirada en una cama, abierta de piernas, desnuda y tapada del torso hacia arriba con una sábana blanca. Incluso se le ve un pecho, el ombligo, las carnes de la cintura y el coño tapado con el pelo negro que le llega hasta la raja del culo.
Y vuelves a mirar a Helmut y piensas… tenéis razón en todo.

Boris Izaguirre se va de museos

2009-10-07T21:46:00.000+02:00

Hoy me he encontrado con Boris Izaguirre haciendo de guía en el Museo Thyssen para la exposición de Fantin Latour, un pintor desconocido para la mayoría.
Entré en la página web de El País y ahí estaba (CLIQUEN AQUÍ).

Lo que me ha dado rabia es que no se lo haya(n) preparado bien porque creo que podría llevar a mucha gente al museo si contase cosas que merezcan la pena y pienso que él podría hacerlo muy bien. Es decir, sólo faltaba algo interesante e iría a verla, seguro.
El vídeo empieza fuerte, con Boris quitándose las gafas de sol y paso firme pero cuando entra en materia se desvanece con cotilleos que si te llevan a ver la exposición te defraudarán porque se supone que te encontrarás con otra cosa… me refiero a pintura.
Y no hablo de soltar la típica chapa de un mal guía sino a extraer lo que le puede interesar tanto a expertos como personas de la calle. Creo que no es tan difícil.
Es un buen intento pero al Thyssen, uno de los mejores museos de Europa, le pido algo más.

Keith Richards

2009-09-17T19:43:00.000+02:00

"...Comenzó a pasearse por la casa vestido con una bata de lino azul, moviendo las manos de forma amanerada -"¡oh, no hagas eso!"-, una auténtica reinona de King's Road durante unos seis meses. Inmediatamente, Brian y yo adoptamos el papel de machotes, y nos reíamos de Mick. Este confuso intercambio de papeles sigue existiendo hoy en día. Brian y yo nos mofábamos de él. Pero Mick contimuó con su rollo afeminado durante unos seis meses".

Keith Richards sobre Mick Jagger en su Biografía desautorizada.

...Así eran en el 64.

¡Arte rockero, tío!

2009-09-11T17:48:00.001+02:00

Desde el siglo XX las obras de arte han tenido especiales dificultades para comunicar con el público.
A cada nuevo movimiento artístico, los artistas tenían que explicarse(“yo soy antiartista”, “yo creo con el inconsciente”, “yo pinto música (¿)) porque si no la gente no se enteraba de nada. Se habían saltado algún paso y el público no sabía qué pensar.
Courbet no se tenía que explicar pero le pasaban otras cosas, seguro.
Lo que sucede es que si le preguntan a un artista "de qué va" y contesta, “yo pinto lo que veo en el súper”, pues poco más hay que decir. Me refiero a que la conversación ya no puede ir por el mismo camino que con los primeros artistas porque ahora todo es concreto(yo pinto tebeos).
La mayoría de los artistas más influyentes de hoy día se han criado después del pop y la música ha marcado su cultura. Hablo de la cultura musical, cuando era una industria floreciente y muchas estrellas ganaban fortunas y se vendían millones de discos.
Me llama la atención que a muchos de ellos se les achaca precisamente eso, comportarse como estrellas del rock (fíjense que el pop ha hecho algo parecido pero en sentido contrario).
Y me pregunto, cómo es posible que a un artista se le trate como rockero.
Lo primero, la vida privada aparece en la obra de los artistas.

Antonio López como estrella del rock

Por poner varios ejemplos, Damien Hirst tiene una calavera de diamantes que tituló con una frase de su madre. Jeff Koons se casó con Cicciolina y tuvieron un hijo. Matthew Barney está casado con Bjork. Jake y Dinos Chapman son hermanos (como ya habrán supuesto).
Por otra parte, también los hay que no incluyen ningún elemento familiar pero intentan despertar los sentidos aportando sensaciones reales. Ya sea con luces, temas, tamaños, materiales, soportes, …
Y lo que despiertan estas obras no se puede explicar, hay que ir a verlas y aún así es difícil.
Por ejemplo, Cattelan siempre trabaja en función de que su obra sea exhibida y hace chistes con la realidad. Eliasson maneja de forma artificial efectos sacados de la naturaleza.

Pero Hirst también, utiliza diamantes de verdad para su calavera, los Chapman pintaron encima de grabados originales de Goya, y a Barney le dejaron el Guggenheim de Nueva York entero para grabar sus vídeos.
Parece que lo importante es que el público vaya a verlo y que se pueda hablar de tí por algo normal, sin profundidades.

A estas alturas el arte debería ser algo más normal en nuestra vida diaria.

¿Cómo cortar un cerdo en dos?

2009-09-11T16:10:00.000+02:00

Dos medios cerdos de Damien Hirst

Un cerdo y un cocido.

Secretos de los artistas

2009-09-08T20:27:00.001+02:00

Por suerte para nosotros todas las obras de arte tienen algún secreto. Si las obras de arte fuesen perfectas, equilibradas y justas; primero no serían obras de arte, y segundo no tendrían ningún interés. Así que los secretos, como seguro sabrán, vienen de las imperfecciones y todos tenemos algo que ocultar. Al fin y al cabo las hacen artistas, que también son personas, y es por ahí por donde siempre podemos entrar para entenderlas.
Nosotros, que también somos personas, tenemos la tendencia natural de querer conocer todos secretos y es a partir de lo siguiente donde podemos empezar a tirar del hilo.
A veces es la repetición lo que nos ayuda porque lo que está más de una vez es importante siempre.

A veces hay tan poco que pensamos que no es nada

En otras ocasiones es justo lo que no está y debería estar porque; bien porque nos descubre alguna incapacidad del artista y lo convierte en humano ( "la sangre de los minimalistas también es roja") o resalta lo que sí está y nos parece sin importancia.
Y en la mayoría de los casos es lo que nos chirría, aquello que pensamos que no debería estar que a menudo negamos y el artista nos restriega por la cara para que lo veamos de otra forma más interesante que a veces cuesta entender, pero transforma nuestra forma de mirar.

A veces todo chirría

Todo lo demás es envoltorio. Maravilloso en todos los casos.

Exposición de Vítor Mejuto. Ícaro ortogonal

2009-09-04T14:57:00.000+02:00

Ayer por la tarde se inauguró la exposición Ícaro ortogonal de Vítor Mejuto en la Sala 2 de Caixanova en Vigo (C/Velázquez Moreno, 18).
Ícaro-ortogonal.
La exposición está compuesta por doce pinturas abstractas, todas cuadradas aunque de tamaños distintos.
Las imágenes que se ven en los cuadros, porque aunque son abstractas también son imágenes, repiten un esquema similar; se ven formas perfectamente definidas de colores lisos, unas claramente curvas y otras rectas y regulares.
Por el otro lado tenemos el color. Entre las formas se relacionan colores distintos del mismo tono y colores similares de tono distinto.
Entre formas y colores y la relación entre ellos vemos cómo una forma (de un color) puede estar estar delante y detrás de la que tiene al lado o cómo el cuadro es plano y tridimensional a la vez.
Me explico. ¿De qué forma se relaciona la mancha verde con la negra?¿es la mancha negra una parábola o es algo parecido a un cilindro que fuga? ¿Es plana la mancha verde o es la silueta de una forma tridimensional?
¿Cómo cambia nuestra mirada al ver esa mancha plana y convertirla en tridimensional?
¿No es el cuadro, realmente, un montón de manchas de colores planos y ya está?
¿No es cierto que pueden ver las tres dimensiones en cualquier parte del cuadro?
¿Unas manchas están al lado de las otras o unas manchas tapan a otras y por qué?
Cada uno de los cuadros te da la opción de elegir y de mirarlo a partir de puntos de vista contrapuestos (Ahora este cuadro es plano y ahora tridimensional), y por la repetición del esquema en cada obra entendemos que es una búsqueda por relacionar formas, colores y representaciones (usted hace esto cada mañana cuando se viste), tensar las relaciones entre cada elemento y llevarlas hasta el límite, a ver qué encontramos.
Sólo miren los cuadros.

Borrón y cuenta nueva

2009-09-02T18:36:00.001+02:00

Les voy a quitar un peso de encima, piensen por un momento que el arte no existe.
No existen los cuadros ni las esculturas y las fotografías sirven para describir las cosas que pasan.
Pero no existe teoría estética ni arte conceptual, ni Picasso, ni Kandinsky, ni siquiera una cosa que se llama exposiciones.
No hay fotos de Pamela Anderson, ni portadas de discos.
Nada de nada.
Qué alivio, ¿eh?.

...Un poco más de gracia, caballeros.

Los carteles de la calle sirven para informarnos y están todos escritos con el mismo tipo de letra (que es negra sobre blanco).
La fotografía más personal es la que puedes encontrar en sitios como el facebook y las pegatinas que hay sólo son de los fontaneros, que están pegadas en las farolas.
Las fuentes sirven para beber, las camisetas estampadas no existen y la comida se sirve en platos redondos.
(Y follar es para tener hijos)

Para ser artista, hasta para hacer las cosas con gracia, tienes que pensar (a menudo) como si el arte nunca hubiese existido.

Mujeres y mujeres

2009-08-31T15:29:00.002+02:00

Una mujer nos mira. Está desnuda, con sus pendientes, postrada en una cama con la sábanas revueltas.

Tiene el codo derecho apoyado en unos almohadones y la mano izquierda encima de la vagina, que está oculta ayudada por el cruce de piernas.

Tras ella una cortina, a sus pies un animal.

Una mujer recostada.

Otra mujer recostada.

Lo que sucede es que en un caso es un perro que duerme acurrucado y en el otro un gato negro se pasea con la cola cola levantada, junto a los pies calzados en zapatos de tacón, no descalzos.
La mujer de los tacones tapa su sexo con la palma de la mano extendiendo sus dedos sobre la pierna, mientra la otra hace el gesto de acariciarse. No es raro que nos mire de reojo con la cabeza reclinada sobre su hombro, al contrario que la que nos mira de frente haciendo el movimiento de incorporarse y recogiendo la sábana con la mano izquierda mientras la otra deja caer unos pétalos. La mujer que se incorpora tiene flores aunque no se las ha entregado todavía la mujer negra que tiene a su espalda. A espaldas de la primera rebuscan en un baúl tratando de encontrar vestidos.

Ser modernos

2009-08-20T12:42:00.001+02:00

Hace un siglo la gente no tenía opiniones sobre todas las cosas de la vida, ni siquiera hace treinta años. Imagínense hace doscientos.
Pues el personaje moderno es básicamente eso, una persona que tiene ideas propias sobre el mundo y se comporta, más o menos, según esas ideas (que considera propias).
Piensen en la política, por ejemplo, la cantidad de ideologías que surgieron en el siglo pasado. Pues en arte pasó lo mismo.
Mientras que en la época clásica se mostraba una forma de ver el mundo, en la moderna surgieron grupos de artistas que tenían formas de verlo y mostrarlo únicas y personales, lo que ha hecho que las formas de enseñar las cosas en vanguardia son más evidentes que los contenidos de la obras.
Por eso, durante tanto tiempo, el público ha tenido tan difícil ver obras de vanguardia porque, con razón, pensaban que había que meterse en la cabeza de los artistas para entender las obras.
Y eso es precisamente lo que hay que hacer, meterse en la cabeza del artista (lo veremos, no se preocupen).

Encuentren las diferencias.

Pero fue entonces cuando apareció la crítica de arte y empezó a hacer literatura y la gente se perdió aún más, porque no hablaban sobre las obras sino que hacían teorías sobre ellas y eso no aclaró casi nada.
Creo que aquí está uno de los momentos que más daño han hecho al arte desde entonces.
Pasó en política, que había ideólogos y charlatanes (y eso que la política tiene una utilidad muy concreta) cuanto más con la crítica de arte, imagínense.
Hoy en día todo esto es bastante diferente. Hoy no es tan fácil engañar como tampoco es tan fácil tener una idea sobre como ver el mundo que sea interesante.
Todo circula muy rápido y todos somos muy modernos. Ya casi todos somos artistas porque todos tenemos mucha información y pensamos que somos únicos. Y lo somos, no me entiendan mal.
Lo que pasa es que ya no es tener una visión sobre las cosas lo que te hace único.

Las ideas son poder

2009-08-16T22:29:00.001+02:00

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Las ideas dan poder y quien lo niegue seguramente no ha tenido una buena idea en la vida.

Desde el Renacimiento hasta ahora las obras de arte se han planteado de dos maneras muy diferentes. De una forma determinada hasta el siglo XX y de otra muy distinta a partir de entonces.
Hoy toca hablar de qué podemos ver en las obras clásicas.
Las obras de arte desde el Renacimiento hasta la vanguardia nos han mostrado cómo es el mundo. Nos han contado cómo es todo lo que nos rodea con todo tipo detalle y lo han hecho eterno; que podamos disfrutar durante siglos de cómo eran los reyes y los mendigos, las ciudades y los campos, qué comían, cómo vestían, qué era hermoso para ellos o a qué cosas les daban valor. De la época anterior sólo podemos imaginarlo, no verlo. Qué inmediato, ¿no?.
Pues no lo es. Sobre todo porque antes del Renacimiento los artistas se dedicaban a otra cosa; como contar historias, o decorar, o embellecer,… pero no a esto, eso es seguro, porque no podían. Y no podían porque no tenían medios.
Y fue gracias a la tecnología que pudieron hacerlo.

Si no puedes hacerlo tan bien, mejor haz otra cosa.

Me refiero a la aparición de herramientas como la perspectiva, por ejemplo, o de las lentes (como las de sus gafas o cámaras de fotos) y la cámara oscura.
No es mi intención hacer un desarrollo minucioso de estos avances, pero sí dejar claro que todo cambió a partir de otras ideas (tecnológicas) que crearon nuevas formas de trabajar (y claro, de pensar). Esto permitía que, en poco tiempo, los artistas pudiesen tomarse más en serio a sí mismos. Su trabajo podía ser, a todas luces, mejor que el de los demás.
Es una cuestión de PODER.
De pronto había artistas que eran mucho mejores que otros. MUCHO MEJORES. Y no hablo de apreciaciones personales sino que había pintores que tenían habilidades que la mayoría no tenían y sus obras mucho más impresionantes, eran poderosos.
Podían pintar a un señor y que se pareciese muchísimo al señor original. Increíble, casi igual. Pintar su ropa, rodearle de sus pertenencias, pintarle en su casa y que se pareciese a su casa real.
Por ejemplo, Van Eyck podía pintar viejos con todas sus arrugas en una natural postura de tres cuartos en 1433.
Boticelli sólo mujeres jóvenes y, además, de perfil en 1475.
Todos luchaban por enseñar lo mejor que tenían. Y su objetivo era claro. Mostrar en sus obras algo que pareciese que estaba vivo. Más real que la realidad.
¿Qué pasó entonces? Pues que aquellos artistas que tenían que competir con, pongamos, Van Eyck, tenían que arreglárselas para enseñar otras cosas.
(Si yo hubiese sido Van Eyck tampoco hubiera contado mis secretos a nadie).
Al haber artistas claramente mejores que otros surge la competencia y con ella habilidades insólitas para enseñar lo nunca visto.
Algunos forzaban su punto de vista porque no dominaban la anatomía humana, otros tendrían que componer escenas con muchos personajes y situarlos en lugares maravillosos porque lo que se les daba bien era mostrar arquitectura, otros captaban la luz con sutileza sobre la cara de sus personajes y pondrían el fondo negro porque el fondo no era tan verídico como sus modelos.
Hay mucho de esto en la pintura. También hay mucho otras cosas pero para aclarar este tema habría que ver obras concretas.

¿Es tenebroso el tenebrismo?

Esto es como si dentro de doscientos años les explicasen la diferencia entre la wii y la play. Es que son diferentes, a pesar de que las dos parten de un cubo, porque los juegos son diferentes. Pues con los artistas clásicos pasa lo mismo. No juegan todos a los mismos juegos ni con las mismas reglas. Cogen un poco de aquí o de allá pero en lo que son buenos es en cosas muy concretas y esas cosas están en todas y cada una de sus obras.
Pero esto lo iremos viendo.

Las ideas de los artistas eran sólo cinco

2009-08-05T12:41:00.001+02:00

Les voy a hacer un regalo.
Les voy a regalar arte.
No me refiero a nada poético, esto no es una metáfora de nada.
Supongo que si están leyendo esto es porque tiene usted que trabajar. Y si tiene usted que trabajar estará en un entorno de gente que también tiene que ir a trabajar. Es verano y hay menos que hacer de lo normal. Se puede ir a tomar unas cañas o a la playa (suponiendo que la tengan, si no se tiene que quedar con las cañas).
Pues lo dicho, yo les regalo el arte.
En las siguientes líneas y durante las próximas semanas les voy a dar la opción de ir a ver exposiciones y se enteren de algo. Se lo digo porque si ustedes tienen que ir a trabajar no andarán sobrados de dinero y si el atontamiento de la cerveza al calorazo del verano les harta en algún momento, les doy la opción de meterse en un fresquito museo y poder disfrutarlo, no padecerlo.
Así que vamos al grano.
Todas, y digo TODAS, las obras de arte desde el Renacimiento hasta hoy han sido motivadas por unas pocas ideas que les iré descubriendo con detalle.
Me refiero a que los artistas, cuando han querido hacer una obra (pintura, escultura,… lo que sea) han sido empujados a producir obras porque querían mostrar algo en sus imágenes, es decir, por una idea (o varias). Pero resulta que esas ideas no son infinitas sino que son concretamente cinco.
Sí, seis siglos de arte y sólo cinco ideas.
Más concretamente, hay tres de ellas que surgieron entre el Renacimiento y el Siglo XX, lo que dio paso a la imagen moderna; las otras dos fueron el origen de la vanguardia.
Lo importante de estas ideas es que todas vinieron para quedarse. Es decir, que ninguna ha perdido valor y ninguna ha desaparecido desde entonces.
El juego y la sofisticación al presentar una o varias de estas ideas es donde está lo bueno, lo que hace que muchas sean maravillosas. Esta parte la dejo en su mano, para que lo disfruten ustedes solos, no me entrometeré sin su permiso.
Hoy sólo se las voy a presentar, pero iremos viéndolas una por una.

¿De qué se ríe la Gioconda?... ¿Es una buena pregunta?

Al principio, todo esto les parecerá un poco tonto pero ya verán como les resulta útil a la hora de disfrutarlo. Una vez saben qué ideas propone una obra, lo demás consiste en ver cómo se las arregla para mostrarla de la forma más maravillosa posible, cómo hace para tratar de impresionarnos (porque en eso consiste el arte, en tratar de impresionar).
Las tres primeras (las anteriores a la vanguardia) son tres:
- La visión de las escenas de forma naturalista.
- El estudio de los objetos.
- La descripción de los lugares.
Todas las obras de arte entre el Renacimiento y la vanguardia hablan de esto y sólo de esto. Me refiero a que antes del Renacimiento, los artistas no se planteaban estas cosas directamente. Estas ideas surgieron de forma sencilla hasta convertirse en mecanismos muy sofisticados que, llegado un punto, no evolucionaron más y dieron paso a ideas nuevas.
Las que surgieron con la vanguardia son dos:
- Mostrar lo inmaterial.
- Convertir a la obra de arte en un objeto.
No hay más. Ahora, encuentren una obra que escape a estas cinco ideas, que no baraje una o varias de ellas...

¿Es arte una pala?

...Y si no, tómense una caña a mi salud.

Daniel, Guy y Alec Wildenstein de Helmut Newton

2009-07-22T17:48:00.001+02:00

Guy espera la conclusión de Daniel mientras Alec se lo ve venir.

En un palacio con molduras brocadas en el techo, esculturas antiguas, lámparas de araña, espejos con marcos de piedra y velas, y cuadros con marcos dorados hay tres hombres de traje.

Sólo el que está más cerca nos mira. Está de perfil, la cabeza inclinada hacia abajo pero la ha girado en tres cuartos y completa el giro con los ojos. La boca cerrada y también hacia abajo, lo que le hace arrugas en los carrillos. Traje negro, corbata negra moteada, gafas grandes de pasta y pelo negro hacia atrás. Es el mayor de los tres hombres.

Tras él y de frente un hombre canoso y con el pelo hacia un lado sin raya mira hacia el lugar donde estaría la cara del hombre mayor si no se hubiera girado. Pero le ha seguido con los ojos y ahora mira hacia abajo con la barbilla levantada. Lleva traje negro, corbata moteada pero no es negra y gafas pero sin montura. Sí lleva pañuelo como el hombre mayor y como el tercer hombre, el de atrás, que mira al frente con la cabeza pero fija la mirada con los ojos en el primero. Traje de raya diplomática, corbata negra y pelo negro hacia atrás.

Quizá por la expresión de sus ojos, por la arruga de su frente, por el brillo de su cara o por tener los brazos separados del cuerpo parece el más tenso de los tres. O quizá nos fijamos porque es donde tenemos enfocada la mirada.

O puede ser que Helmut conozca sus tormentos.

Elisabeth Shue de Helmut Newton

2009-07-14T08:41:00.000+02:00

Elisabeth ya está casi lista.

En una habitación una mujer vestida con una camiseta negra de asas nos mira con un brazo relajado y otro separado del cuerpo.
Tiene maquillados los ojos y los labios pintados pero el pelo revuelto con la raya al lado.
Nos mira desde arriba aunque no ha bajado la cabeza, ni siquiera las pupilas.
Nosotros la miramos desde muy abajo porque lo que vemos al fondo es la esquina del techo, justo destrás de su cabeza.
Y no hace ningún gesto, sólo nos mira. Siempre que la miremos nos estará mirando desde ahí, con los labios cerrados.
Helmut también lo ha padecido, quizá se lo merezca porque ella no tiene la culpa.

Michael Caine de Helmut Newton

2009-06-25T14:15:00.001+02:00

Michael lo tiene todo listo.

Con el sol bajo, junto a una gran piscina vacía, con el agua como un plato, están recostados un hombre y una mujer.
Ella lleva vestido negro de noche, muy escotado, con detalles dorados en pecho y tirantes. Medias negras, zapatos negros de tacón de aguja, pelo negro y tez morena.
Está echada en una tumbona con los ojos cerrados y reposa su cabeza sobre el brazo derecho.
Junto a ella, de medio lado, un hombre de smoking apoyado sobre su brazo derecho, incorporado para colocarse frente a ella.
La mujer ha hecho el gesto para coger la copa de champán que hay en el suelo pero ha desistido frenada por la mano del hombre. Entonces ha cerrado los ojos y levantado la barbilla a la sombra de él.
Mientras tanto, él nos mira con sus gafas de pasta negra.
Helmut y Michael se recrean, sin pestañear, a la espera del gran momento.

Coral Browne y Vincent Price por Helmut Newton

2009-06-18T14:20:00.001+02:00

Coral y Vincent se saben el papel.

Una mujer de perfil, mira hacia la luz. Tiene canas en la frente y el pelo hacia atrás.
Va vestida con pendientes de piedra y brillantes, collar triple de perlas y abrigo de piel. El pelo del abrigo está moteado con pelo planco sobre negro.
La mujer apoya sus manos sobre un hombre sentado con esmoquin. También tiene canas en la frente y en las sienes.
El hombre sujeta sus gafas de culo de botella contra los ojos y nos mira con la mano cerrada delante de la boca.
Al fondo, una doble puerta cerrada.
Y ahora qué, Helmut.

Rachel Welch por Helmut Newton

2009-06-16T14:18:00.001+02:00

A Rachel le asedia su perro.

En el muro de ladrillo pintado de blanco de un jardín, rodeada de plantas exóticas de grandes hojas abiertas en forma de explosión, una mujer está subida a una repisa.
Lleva el pelo cardado y un bañador blanco de escote cruzado que le hace arrugas a ambos lados del pecho.
También zapatos de tacón alto, con brillo metálico y con cintas abrochadas en los tobillos.
La mujer reposa el peso de su cuerpo sobre la pierna derecha y se le marcan los músculos. El bañador es alto de cadera.
Con la mano izquierda tira de la correa de un perro mientras aguanta el resto con la izquierda.
El perro se ha subido a la repisa y la mira sobre dos patas, con el cuello estirado.
Ella está erguida pero tiene los hombros echados hacia atrás y le devuelve la mirada con los ojos.
Tras la mujer, una valla metálica separa el jardín de una masa oscura de plantas.
La mujer seguirá mirando al perro y Helmut no hará nada por evitarlo.

ESE ALGO en La voz de Galicia

2009-06-13T12:07:00.000+02:00

Más información, AQUÍ.

Monica Bellucci por Helmut Newton

2009-06-12T20:29:00.000+02:00

Monica se recuesta.

Desde unas escaleras, con la vista torcida hacia la derecha, vemos una mujer recostada sobre su codo izquierdo.

La mujer está desnuda. No, viste un zapato negro de tacón alto y cinta en el tobillo en su pie derecho, el izquierdo descalzo. Las uñas pintadas y las piernas cruzadas a distinta altura. De hecho la pierna izquierda, la descalza, no descansa sobre la derecha. Pies finos, tobillos anchos y piernas largas.

Sólo en la cadera, la carne le hace un pliegue. Está sentada en una silla plegable de tela y metal.

Recuesta el peso de su espalda sobre su codo izquierdo que apoya sobre sobre una piel moteada, y posa el mentón sobre el puño.

Con la izquierda se agarra a la junta de la silla y tiene la cadera echada hacia adelante.

Además del zapato también viste un foulard de pelo blanco que le cae sobre el pecho.

Entre el pelo blanco entrevemos el pezón. Más abajo, una pequeña cicatriz.

La mujer está de frente y mira fijamente sobre nosotros, a nuestra izquierda.

La melena negra le cae sobre los hombros.

Estamos en una mansión junto a una montaña.

El cielo está todo cubierto de nubes pero ha empezado a despejar y la luz del sol la ilumina.

Helmut busca y ella hace lo demás.

Grace Jones y Dolph Lundgren para Helmut Newton

2009-06-10T17:06:00.001+02:00

Grace y Dolph saben lo que les espera.

Sobre una pared blanca de ladrillo hay pegado el cartel de una diana de tiro policial con la silueta humana.
Delante está un hombre blanco, desnudo, con el pelo de punta, que marca todos los músculos de su cuerpo y mira fijo al frente desde lo alto.
Sujeta, por el hombro y con los dos brazos, a una mujer negra también desnuda con el pelo de punta que se ha vuelto para mirarnos. Sus piernas miran hacia el hombre, ha vuelto su cuerpo hacia nosotros y ha girado la cabeza colocándose en tres cuartos, pero nos mira directamente con la cabeza ligeramente levantada.
Aunque confundiéramos la silueta de la diana con la sombra de él, Helmut nos recuerda que si no fallamos son cinco puntos.

EL ARTE Y LOS ADOLESCENTES

2009-06-09T10:12:00.000+02:00

Un día habrá una inauguración de una exposición en la que habrá una alfombra roja para entrar. Habrá seguridad para que los adolescentes que han ido a ver a su ídolo artista (al que idolatran) no se lo coman.
Todo esto, ¿por qué?.
Porque le interesará a la gente y los artistas darán todo lo que tienen sin reservarse nada. Ni en su obra, ni en promoción, ni en medios para expresarse. Usarán TODO LO QUE ESTÉ EN SU MANO.
Habrá artistas guapos y tontos que acierten más o menos. Pero los habrá listos e incluso interesantes que lleguen a todo tipo de gente.
Habrá mucho público que se preocupe por leer en los periódicos qué ha pasado en la inauguración del día anterior y el arte formará parte de la actualidad.
Y digo de la ACTUALIDAD.
No burocracia de lo que toca (bienal, feria o lo que sea… ¿a quién le interesa lo que pasa ahora? Pregúntele a su tía del pueblo y sabrá que el Barça ha ganado no-sé-qué o que hay una nueva película de Bardem, pero de bienales… ni idea… no me extraña). Y sin embargo, el arte puede ser mucho más interesante que todo esto.
No sé si los artistas follan mucho o hacen el amor (no suelen hablar de estas cosas), sí se lo pasan bien de copas o sólo quedan bien.
Lo que sí sé es que no hay manera de seguir con esta forma de hacer las cosas. Hay que pensar en que necesitamos a la gente y tenemos que llegar a ellos y buscar la manera de que el arte pueda ser DISFRUTADO POR TODOS.
Con temas, soportes, difusión,… pero para que llegue.
Hasta que una quinceañera no tenga la foto de un artista en su carpeta del instituto o una (alucinante) obra suya adornando sus cuadernos, sé que no habremos conseguido nada de nada.
Habrá gente que dirá que el arte siempre ha sido así, que es para un cierto tipo de público.
¿Recuerdan cuando era imposible comprar un tebeo en una librería? Muy pronto ni lo recordarán.
¿Por qué sabemos hoy quién es Santiago Calatrava o Ferrán Adriá si la muchos no han visto un edificio suyo ni mucho menos probado sus platos?.
Fíjense en los músicos. Tenemos a Metallica, a Leonard Cohen e incluso a Barbra Streisand o David Bisbal.
Todos sabemos quienes son.
¿Quién sabe quién es Damien Hirst (sí, sí, pregunten a su sobrina, a ver qué les dice)?. Y eso que es un “artista famoso”.
Los adolescentes no fallan. Si ellos no saben quién es, es que no es nadie. O mejor dicho, si ellos lo conocen es que es alguien.
Y para quien no conozca a Take That…

AQUÍ TIENEN UNA REVISIÓN DE SU TRABAJO.

Ellos saben adonde tienen que llegar.
Esto es vídeo-arte, o vídeo-creación para los más escrupulosos.
La complejidad de nuestro mundo y las relaciones personales dirigido a adolescentes (habrá gente que esto le parecerá mal y todo).
Estoy hablando muy en serio.

Kim Basinger de Helmut Newton

2009-06-08T15:04:00.000+02:00

A Kim no le ha salido bien esta vez.

En el interior de un edificio vemos una mujer descalza sentada en el suelo con el cuerpo volcado sobre una verja que cierra una ventana. Con el codo derecho se apoya en la verja y atusa su pelo rubio con la mano.

Está totalmente despeinada.

Ha girado la cara hacia nosotros y reposa su mano izquierda sobre el hombro para que podamos verla aunque ella no nos está mirando. Se le han ido los ojos hacia el suelo, hacia la izquierda.

Lleva las uñas pintadas, pulsera de brillantes y el brazo remangado de un vestido claro de encaje, tan ajustado que hace pliegues en cada contorsión de su cuerpo. Incluso en el empeine, las medias han formado arrugas.

Con la pierna derecha se apoya en el suelo, la izquierda está levantada y se le ha escurrido el vestido. Se le ve toda la pierna.

Más allá de la verja vemos el edificio de un aparcamiento. La luz cae sobre la pared del fondo. Una sombra ha empezado a cubrir a la mujer desde la cadera.

Ella añora tiempos mejores, dice Helmut.

Mickey Rourke de Helmut Newton

2009-06-05T18:25:00.001+02:00

Mickey apunta con la izquierda.

En un aseo público iluminado por un ventanuco hemos sorprendido a un hombre meando en los urinarios más allá de los lavabos.
A la altura de la cintura vemos que el hombre viste un traje de chaqueta que le queda flojo y, aunque no está arrugado, se le forman pliegues que por todo el cuerpo. En los brazos y en la axila, en la pierna y la entrepierna.
Camisa blanca y corbata estampada. Pelo despeinado hacia atrás y barba de tres días.
Ha girado la cabeza sin dejar lo que está haciendo con la mano izquierda, mear. ¿Es zurdo?.
Con la derecha apoyada en la cisterna sostiene un revólver de cañón corto apuntando hacia arriba con el dedo en el gatillo, relajado.
El hombre no nos está mirando, se le ha quedado la vista fija en algún detalle justo a nuestro lado y no baja el revólver.
Y aunque acabe de mear no se va a mover un pelo.
Helmut no le dejará sacudírsela. Pobre Mickey.

Ornella Muti de Helmut Newton

2009-06-04T10:56:00.000+02:00

Ornella se gira para mirarnos.

Una mujer nos mira fijamente con la melena despeinada.
Ojos y labios pintados y grandes pendientes.
Está sentada en una silla de madera. Apoya su codo derecho y la mano en el pelo.
Con la otra se toca el borde del escote su vestido negro brillante, le vemos el hombro, la axila y como le cae la melena.
Tiene la cabeza agachada y nos mira desde abajo, aunque estamos a la altura de sus rodillas.
Sus piernas están inclinadas, juntas a distinta altura y la falda revuelta. Ha cruzado los pies.
Lleva medias y zapatos de terciopelo.
Está sentada a la mesa pero se ha girado para mirarnos.
No está en una cocina, es un comedor con muebles rústicos, esculturas, cuadros y papel barroco de pared.
Es de día pero las persianas están bajadas.
¡Ay, Helmut!.

Isabella Rosellini y David Lynch por Helmut Newton

2009-06-03T15:41:00.000+02:00

David piensa cuál será su próximo movimiento.

Una mujer deja caer su cabeza hacia atrás con los ojos cerrados. Los tiene pintados y los labios también. Muy bien pintados.
Lleva un sencillo traje negro de tirantes muy escotado.
Un hombre con tupé, chaqueta y camisa abotonada hasta el cuello acaricia su cuello con la mano derecha y su mejilla con el dedo índice, hacia donde ella se deja caer.
El hombre observa el contacto de la mano con su cuello.
Más allá de la esquina con paredes de gotelé lleno de humedades, una luz ilumina sus caras.
No es una película, es una foto de Helmut.

Helmut Kohl y Helmut Newton

2009-06-02T15:25:00.000+02:00

Helmut saluda a Helmut.

Un hombre de unos sesenta años está de pie y erguido delante de un gran árbol que ocupa casi toda la foto. El árbol tiene cientos de recobecos y la corteza áspera con miles de detalles.
Al hombre lo vemos desde abajo, a la altura de las piernas. Tiene los pantalones arrugados por el uso, aunque hayan sido planchados. La chaqueta del traje, cerrada por el botón superior, impecable.
El traje no marca demasiado la línea sino que parece flexible.
Corbata de rayas, camisa blanca, zapatos negros replandecientes y gafas de montura metálica fina.
El hombre mira hacia el frente con la cabeza y hacia arriba con la mirada.
La boca cerrada.
Los brazos relajados.
las manos sueltas. O no tan sueltas.
Delante de la foto del hombre del árbol otro señor de la misma edad en una habitación con valdas, ficheros, libros, cajas...
Zapatillas, pantalón blanco, camisa negra y chaqueta príncipe de Gales. Peinado suelto raya al medio y con gafas redondas de montura negra nos mira serio haciendo, relajadamente, el saludo militar.
Es que es Helmut.

Paloma Picasso por Helmut Newton

2009-06-01T18:09:00.001+02:00

Busto de una mujer desnuda. La cabeza inclinada ligeramente hacia adelante y vista ligeramente desde arriba crea una línea en la barbilla que separa cuerpo y cabeza.
El cuerpo es una piel fina con toques irregulares creados por la clavícula, los hombros, el cuello, los pechos,... Pero sigue siendo una superficie irregular.
La cara nos mira, fijamente y hacia arriba. Lo sabemos porque el iris no está centrado en el ojo.
Pelo negro peinado hacia atrás con fijador, labios pintados y ojos también, todo con toques muy discretos. La piel limpia.
En el ojo derecho un monóculo sujetado por una cuerda negra que le recorre el cuello.
La cuerda hace una forma de elipse a ambos lados. Sabemos que es una cuerda y no una línea negra porque vemos su sombra.
La parte superior del monóculo coincide con el arco superior del ojo y al tapar parte del iris parece deformado.
La misma luz que empuja hacia atrás la sombra de la cuerda proyecta, a la izquierda, la sombra de la mujer. Nace en la barbilla de ella y termina en la pared blanca del fondo.
Una suma de casualidades casi nos hacen confundir líneas con cuerdas, círculos con monóculos, sombras con manchas, rayas con cejas, polígonos con labios.

Esto es lo que hace Helmut, no Picasso.

June Newton por Helmut Newton

2009-05-27T13:14:00.000+02:00

June Newton toma el postre.

Tenedor y cuchillo alineados, y restos de suflé o magré o tortilla francesa en un plato blanco sobre un hule. Una servilleta que parece una flor y una copa de vino dulce llena.
Una mujer adulta hace como que ha encendido un cigarrillo con una cerilla en la mano derecha y sostiene la caja con la izquierda. La luz le ilumina la cara y las tetas.
La mujer lleva una camisa de manga larga. Quizá un traje. Mangas colgantes y escote abierto en forma de cortina sujetada por los pezones.
La mujer mira la luz de la cerilla, en su mano derecha. Sostiene el cigarro con los dientes.
Al fondo, la cocina a oscuras.

Ésta es la mujer de Helmut.

Sigourney Weaver por Helmut Newton

2009-05-25T13:01:00.000+02:00

Sigourney Weaver aguanta sin expulsar el humo.

Última hora de la tarde o primera de la mañana. Verano.
Junto a unas enredaderas, una casa de madera tiene las luces encendidas y cortinas de hilo que podemos ver a través de la mosquitera de la puerta.
Una mujer de unos cuarenta años apoya su mano derecha en el pasamanos del porche mientras sostiene un cigarrillo en lo alto con la izquierda. ¿Es zurda?.
Tiene el pelo negro, corto, revuelto y mojado pero no está despeinada.
Viste bermudas blancas y camisa blanca sin mangas por dentro del pantalón, abierta hasta el tercer botón. Está mojada y se le transparentan las tetas.
El brazo izquierdo también está mojado, como el pelo.
Y ella nos mira de frente, sosteniendo el cigarro y mojada, con la boca cerrada e iluminada de frente por una luz elevada, distinta de donde nosotros estamos al final de la barandilla.
En cualquier caso, ahí se quedará, mirando y sosteniendo el cigarro.
Lo dice Helmut, no yo.

Jean-Marie Le Pen de Helmut Newton

2009-05-21T16:33:00.001+02:00

Jean Marie Le Pen y sus perros.

Un hombre de unos sesenta y tantos años viste un traje negro de chaqueta cruzada a medio abotonar. Un traje bueno y recién planchado (o estrenado).
Camisa blanca y corbata rayada de colores intercalados con franjas blancas, un poco más estrechas.
Gemelos en los puños, anillo de casado y reloj discreto muy caro.
Gafas finas de concha, grandes como una tele antigua, y mirada desde arriba, caída, fija, relajada y frontal. Barbilla alta y tranquila, boca caída y tranquila. Y una ceja levantada, la derecha.
Poco pelo muy cano y peinado hacia atrás con fijador, frente rayada y despejada.
Manos adultas que sostienen dos doberman de pura cepa que se abalanzan sobre él aunque su actitud no se vea afectada. Tienen el pelo brillante y doble cadena metálica.
Uno de los doberman permanece tranquilo y el señor le acaricia la pata con la mano derecha. El otro perro juega y su mano izquierda reposa sobre él.
Una luz ilumina los peldaños de las escaleras que suben tras la escena.
A su lado, una pared construída de piedra.

Helmut Newton era alemán y judío.

Un Picasso cabezón a la puerta del MoMA

2009-05-08T19:24:00.001+02:00

Al hilo de mi entrada anterior, hoy voy a hablar de mi artista favorito. Rectifico. Voy a hablar de un trabajo de uno de mis artistas favoritos, Maurizio Cattelan (Padua, 1960). Que además está vivo.

La obra es muy sencilla. Colocar un cabezudo (en 1998), caracterizado como Picasso(el artista moderno más famoso del mundo), que recibiera a los visitantes a la puerta del MoMA, firmase autógrafos, posase con la gente y demás carantoñas.

El cabezudo entre el público.

He leído que este trabajo satiriza el mundo del arte, que "convierte al MoMA en un Disneylandia" y cosas por el estilo.
Sin embargo, he leído al propio Cattelan decir (página 15)que le sorprendía que los museos no utilizasen los recursos que tienen para promocionarse. A mí también me sorprende mucho desde hace tiempo.
En consecuencia, esta obra plantea que si el arte se promocionase a sí mismo abiertamente, ¿qué serían capaces de hacer los artistas?, esas personas, supuestamente creativas, que no pueden vivir de su trabajo por esta cuestión.
Fíjense el punto tan bajo en que está el arte, en su comunicación con la gente, que sólo cabe emplear la estrategia del cabezudo-disneylandia.
¿Por qué una persona se gasta un montón de dinero en unos zapatos, en un espejo o en una vajilla y ni siquiera se molesta en entrar en una galería de arte?.
Me sorprende la forma en que se llama la atención sobre este Picasso. No se le tacha de anticuado sino que se trata de algo más cercano a lo inmoral. Algo parecido a “hacer mercadeo con el arte”(¡Jesuscristo!).
Entonces se me ocurre preguntar si al decir eso se quiere afirmar que lo que dirigen el MoMA son tontos de atar porque están invitando al enemigo.
Me sorprende que, todavía hoy, se hable de sociedad del espectáculo y mercadeo pero, por lo indicios que tengo del arte en España, creo que hablar bien de tu trabajo es algo mal visto (¡en el arte! Eso tan abierto de miras) o, a lo mejor, es que no saben más.
Y la más grave de las consecuencias es que la gente de la calle no puede establecer juicios porque se queda fuera de todo. No entienden nada porque no les interesa. No me extraña.
En el mundo del arte, nadie quiere que se enteren de nada. Me sorprende que la promoción no sea una parte fundamental del arte, me sorprende que no se dé por hecho que es algo que hay que hacer y hay que hacerlo bien. ¿Por qué no es así? Eso me pregunto yo.
¿Qué pasaría si a los museos e instituciones de arte les quitasen gran parte de sus subvenciones?.
¿Tendrían que cerrar?.
¿Tendrían que replantearse su política?.
¿A qué están esperando?.

Tetrápodos de Santiago Sierra en el Museo Marco

2009-05-05T19:24:00.001+02:00

El 1 de mayo se inauguró en el museo Marco de Vigo la exposición de Santiago Sierra.
Lo que se ve en la exposición son tetrápodos (moles de hormigón de cuatro pies) colocados en las salas de forma ordenada.
El suelo está cubierto de plástico blanco y han quitado todas las falsas paredes.
Además está todo lleno de escombros, palés, y poco más.
Es como ir a ver las obras (uno se siente como un jubilado).
Busco el título y se refiere a la transcripción de lo que se ve: INSTALACIÓN DE 54 TETRÁPODOS DE CEMENTO… (etc)
Es decir, que no es simbólico, es sólo lo que se ve.
Entras y está todo por hacer. ¿Por qué? No lo sé. De entrada parece un mal chiste respecto a las calles de Vigo, que están todas levantadas. Luego te enteras de que es algo relacionado con escolleras (una palabra suficientemente particular para que mucha gente de Vigo no sepa ni lo que es).
Viendo la definición del diccionario una escollera sirve de base para una obra, para resguardarse del oleaje o de cimiento para un muelle.
Uno piensa que tendrá que ver con el mar - ¡el mar, idiota, el mar!- pero Vigo no destaca por su oleaje violento, precisamente. Será algo de lo otro pero, ¿me importa algo lo que sea?, ¿por qué debería?.
Luego, te enteras de que se invitaba al público a ver la instalación de las moles. No sé que interés puede tener. Que me lo expliquen.

Fotografía de la "obra" de Santiago Sierra en el Marco de Vigo.

Y vuelvo otra vez a sentirme como un jubilado. Me invitan a ver las obras de algo que ni sé lo que es. Pero dentro de un museo.
Se cuenta también que eligen el 1 de mayo por el día del trabajo. El trabajo de quién, ¿de los operarios? ¿Qué tiene de especial?. Puestos a pensar, a lo mejor tiene que ver con los festejos franquistas del Bernabeu o vaya usted a saber.
Leo en el texto del artista que uno puede ver trabajar a los operarios desde arriba y que ésta es la disposición que se empleaba para vigilar a los presos (hoy, los operarios).

Saltamos a un nuevo aspecto. El edificio como antigua cárcel (es el uso que tenía antes de ser museo).
Y pregunto yo, ¿quién puede decirme que es una buena elección poner un museo donde había una cárcel? Y peor aún, ¿qué tipo de artista vuelve a darle ese uso aunque sea simbólicamente?.
¿No sería más inteligente tirar abajo alguno de los muros del museo y liberarlo de su pasado? (y romper las fronteras, no cambiarles el nombre).
Parece ser que los que mandan, con quien está Santiago Sierra, prefieren que siga teniendo mucho de cárcel, y que al entrar lo que quieras sea salir cuanto antes. Vaya chiste, si es que lo es.
Para terminar, y esta es la guinda, se le cede a la policía un espacio para que muestre todo lo decomisado durante un año.
El artista trabajando con la policía para que incauten ropa falsa, droga (chocolate, cocaína y tabaco, que es lo que hay aquí) y documentación falsa,... Si esto es transgresor, moderno, artístico o lo que sea, que alguien me lo explique (artista+policía... en fin).
Qué diferencia habría si colgasen multas de tráfico, no lo sé. ¿Debería importarme algo de esto?. No veo el interés y deberían explicármelo, que el museo es tan mío como de todos. Y no lo hacen.
Es decir, el artista no sólo vuelve a convertir el museo en una cárcel sino que también mete a la policía.
No veo la razón para todo esto. Puro esnobismo y colaboración con un sistema que ni sabe de arte, ni le interesa... es posible. Pura superestructura para unos pocos pijos... quizá. Y, si no, por qué esto debería interesar, que alguien me lo explique.

Para esto están usando el museo.
Es una auténtica tomadura de pelo.
Sólo quiero recordar que el museo Marco lo pagamos todos (¿y quién lo disfruta?).
Y que conste que esto lo puedo explicar porque yo me preocupo en entender, soy artista y vivo en Vigo, qué menos.
¿Creen que alguien se habrá preocupado de que semejante chorrada sea interesante para alguien de Vigo?, una pena.
Primero porque el museo es de todos y deberían preocuparse del público. El público es quien te paga y a él te debes, eso es así. Y según yo lo entiendo, no lo hace.

LECCIÓN 4. Por dónde empezar a ver

2009-01-27T13:08:00.001+01:00

Al público de la calle le cuesta mucho abordar cualquier obra de arte por el simple hecho de que le tienen miedo. La gente tiene miedo porque no sabe. Le preocupa quedar en ridículo, meter la pata, ir de listo o de burro, o hacer juicios equivocados. Le pasa a todo el mundo.

La mayoría de la gente no sabe de arte. Estoy seguro que la razón más importante por la que nadie lee, por ejemplo, textos de arte es porque, a menudo, la gente que los escribe tampoco sabe muy bien qué decir.

Entonces pasa lo de siempre, se habla de la biografía del artista y de historia porque, ¿qué se puede decir de una obra de arte?. La otra opción es utilizar términos que se refieren a cosas no tangibles. Así se consigue que todo quede en el aire y uno parece más listo. Lo difícil está en que te entienda todo el mundo.

Soy de la opinión de que si una obra está expuesta en público hay que hacer, de la manera que sea, que el público la entienda. No es el público el que tiene que hacer el esfuerzo sino el artista, galerista, museo, etc.

(Imagínense una novela o película que no se entienda)

Pero veamos por dónde empezar.

Pongamos un ejemplo lo más sencillo posible.

1910. Nolde, Emil. Mar de otoño. Óleo sobre lienzo.

¿Por dónde empezamos?

Lo primero miren el cuadro.

1. ¿Qué se ve? ¿qué imagen hay?(Sitúense a la distancia en que ustedes se encuentren cómodos para verlo entero).

Traten de decir (enumerar, si es necesario) aquellas cosas que ven con la mayor precisión posible, empezando por que más les llame la atención pero intentando no dejarse detalles. Pero de momento piensen en términos generales, a ver si ven ustedes algo.

¿Ya?, ¡bien!.

(Nota.- Depués de haber hecho el esfuerzo de ver el cuadro, tienen al final de esta entrada mis respuestas).

2. Una vez han sacado todo el partido de lo que ven en la imagen, cambien de posición para ver el cuadro desde otro lugar. Acercérquense sin miedo (Pulsen el botón derecho de su ratón y seleccionen "Abrir en una nueva pestaña").

¿Ahora qué ven? supongo que muchos ni siquiera distinguirán bien el paisaje. Bien, pues ¿con qué se encuentran?.

3. Y una vez visto todo. ¿Qué conclusión sacan?.

...

1. Vemos mar y nubes. Reflejos de la luz del sol en ambos. Es primera o última hora del día (el sol está bajo), lo descubrimos por el color cálido de los reflejos y porque los más luminosos se encuentran en los laterales de las nubes.

Con esto he comprobado que la pintura es fiel a cómo el sol ilumina el mar y las nubes a determinada hora del día. Todo está en orden aunque en movimiento.

En cuanto a la imagen en general, llama la atención el color, el uso le esos contrastes, que determina el paisaje en una hora del día donde el sol convierte todo en color. Además son pocos colores (rojo, amarillo y violeta) y sólo un poco de blanco.

¿Lo siguiente que llama la atención? el efecto del viento y el mar picado. Todo está en movimiento.Y claro, vemos el título y comprobamos que el sol es de otoño y no de verano.

2. Lo que se ve ahora es una maraña de gruesas pinceladas de colores. Poco queda del mar, las nubes, el viento y las olas. Ahora son colores mezclados al óleo. Podemos distinguir una gama limitada de colores pero, de cerca, no tienen mucha coherencia, por no decir ninguna. Son colores mezclados aleatoriamente. Es un caos.

PURO ARTE

2009-01-20T16:05:00.000+01:00

El domingo pasado subí al IFEVI (el recinto ferial de Vigo) a ver la feria de arte PURO ARTE.
Para los que no sean de Vigo, la idea es algo como Arco pero en pequeño.
Un montón de galerías de cuarta fila intentando vender su arte.

En los periódicos ofrecían como reclamo que había un cuadro de Manolo Valdés (de quien la mayoría de la gente de la calle no ha oído hablar en la vida) que costaba no sé cuántos mil euros y algún Barceló (de este sí, entre otras cosas por la polémica cúpula de gotelé en la ONU que se está cayendo en menos de 2 meses).
Estaba yo dándome un paseo con un amigo mientras íbamos comentando las impresiones que nos daba la feria.
Mi sensación más llamativa era la siguiente. Pensé en cuantos artistas diferentes podía haber en esa feria entre todas las galerías, ¿200?¿500?¿1.000?. Y en lo que me llamaba la atención de todas las obras. Nada.
Un montón de artistas y ninguna obra con la que me haya quedado. Podría escarbar y decir que había algo curioso en noséqué galería pero... para qué.
Tantos artistas trabajando, rompiéndose la cabeza creando obras, tantas cabezas pensando (¿?) para que uno no recuerde ni una.
¿Qué es lo que pasa con el arte? puede ser que las galerías no tengan mucho criterio para seleccionar obras, aunque ya he dicho que todas eran de medio pelo. Parecía más una feria de artesanía o una megaexposición de alumnos de Bellas Artes que otra cosa.
Y volviendo al tema de las galerías y teniendo en cuenta que es una feria en Vigo (la periferia de la periferia), ¿porqué ese afán internacionalista en seleccionar galerías de muchos países?, se me ocurre que se podría escoger lo más representativo de, por ejemplo, Galicia y su zona de influencia. Eso podría crear un lugar de encuentro, un diálogo o, en el peor de los casos, un enfrentamiento entre todos (que nunca viene mal, donde hay enfrentamiento hay vida), y no esta cosa sin forma que nadie sabe dónde va.
Disculpen esta reflexión si les parece negativa. Yo no lo creo. Me preocupa el arte, que sirva para algo. Además, las cosas se pueden hacer bien (o simplemente, se pueden hacer como es el caso).
Por cierto, la página web de la feria la tienen AQUÍ.
No, no es de la edición anterior, es que no la han actualizado.

LECCIÓN 3. Decir con palabras lo que ves

2008-12-11T08:35:00.001+01:00

Cuando estás delante de una obra de arte hay una forma infalible para poder entenderla.

Decir lo que ves en voz alta (hablar con el pensamiento no es lo mismo).

Les comentaba en la lección 2 que cuando recibimos una explicación en un museo, es frecuente que nos hablen de cosas que no están en la obra (quién es el artista... qué obras se pasaban en ese momento...), con lo que no nos acaba de quedar claro el contenido de la obra en cuestión.

Pero si decimos qué vemos, y para eso la palabra hablada es lo mejor, no hay posibilidad de engaño.

Les pongo un ejemplo claro.

Hace cosa de un año empecé a buscar la manera de explicar el arte para impartir un curso.

En ese momento estaba realizando esta obra que no tiene un significado, pero sí habla de cosas.

Elijo esta foto precisamente por eso, porque no tiene un significado. Todo lo que contiene se basa en la percepción, en lo que se ve.

Y pregunto, ¿qué es lo que ven?.

En la medida en que sean precisos con sus palabras, entenderán mejor la obra.

Y con "decir lo que ven" no me refiero a una frase concisa que clarifique la obra en conjunto. Me refiero a que vayan atando cabos a medida que vayan encontando cosas (matices, relaciones entre elementos,...).

Las obras de arte no deberían existir para ventilárselas de un plumazo sino para ir descubriéndolas poco a poco. Deberían descubrir cosas nuevas durante mucho tiempo, a base de verlas muchas veces.

Espero que encuentren cosas interesantes en el ejemplo que les he puesto.

¿Alguna duda?

PORQUÉ LAS MENINAS ES EL CUADRO MÁS REVOLUCIONARIO DE LA HISTORIA DE LA PINTURA (1)

2008-12-05T11:46:00.001+01:00

Las Meninas. Diego de Velázquez (1656). Museo del Prado

Siempre se ha hablado de las Meninas de Velázquez como una obra maestra de la pintura universal pero nunca he conseguido que nadie me explicara porqué. He tenido que descubrirlo solo mirándolo una y otra vez.
Mucho se ha escrito sobre lo que aparece en la escena: sobre los personajes(quienes son y qué están haciendo) , sobre el espacio, la pincelada, la luz, sobre las miradas, … pero “muy poco se ha dicho sobre el cuadro” para explicar porqué es la gran obra maestra de la pintura de todos los tiempos.
En las siguientes entradas de este blog les explicaré, con argumentos que ustedes podrán comprobar mirando el cuadro, qué es lo que hace a Las Meninas de Velázquez el cuadro más complejo, completo y sofisticado de toda la historia de la pintura.

Y siguiendo el método del que ya he hablado en este mismo blog, empecemos por el principio.

¿Qué es lo que se ve en el cuadro?

LOS PERSONAJES

Se ven personajes de los que, la mayoría, miran a quien está delante del cuadro. Los que no miran están entretenidos con cosas que no parecen demasiado importantes.

¿Hasta aquí están de acuerdo?

Vemos a Velázquez, que está delante de un gran lienzo, mirando hacia nosotros pero está enfrascado en su pintura.
A su lado, unas personas. Están todos pendientes de la niña que está en el centro, que mira hacia nosotros mientras se muestra entretenida por lo que le rodea.
Los que miran, nos mantienen la mirada, pero no parece que pase gran cosa. Sólo un niño está pendiente de otra cosa, un perro (es un niño...).
Detrás del primer grupo, dos personas tienen una conversación sin perder detalle de lo que pasa más allá del cuadro.
Al fondo, un personaje echa una mirada atrás desde el umbral de la puerta. Está saliendo de la habitación.

Y la clave del cuadro. Al fondo, un espejo refleja la figura de dos personas.
Fíjense la casualidad (!) que el punto de vista desde que vemos la escena, coincide con el de ellos dos (el rey Felipe IV y Mariana de Austria).

¿Qué es lo que ha hecho Velázquez?
Por primera vez en la historia, se ha planteado un cuadro como una “máquina para mirar”.
Les pongo un ejemplo. Piensen en algo como la realidad virtual.
La realidad virtual se basa en que recibamos estímulos y éstos nos confundan para que la ficción que parezca igual que la realidad.

Velázquez ha pintado un cuadro visto desde dentro de la cabeza de Felipe IV. Desde su cerebro, a través de sus ojos.
Cada vez que el rey veía ese cuadro se trasladaba, seguramente, a los momentos en los que su pintor de corte le pintaba un retrato.
Supongo que, a menudo, su hija entraba a ver cómo era todo y llegaba con toda su corte de sirvientes (que parecían aburrirse bastante y entender bastante poco de lo que significa que el gran Velázquez te retratase).
Esta es la mayor vuelta de tuerca de la historia de la pintura. Es un cuadro que, más que nunca, cobraba sentido cuando el rey se situaba delante para mirarlo(y Velázquez se lo ponía muy fácil para decirle dónde tenía que ponerse).

(En la próxima entrada: el cambio radical que supone una imagen como ésta)

CONTINUARÁ

(Y si quieren, comenten, pregunten, cuestionen,… estaré encantado de responder)

ROLLINS BAND - LIAR

2008-11-13T16:11:00.000+01:00

Acabo de volver a encontrar este disco que había perdido.

La canción Liar (mentiroso) y su vídeo tienen un humor cafre y sádico que me encanta.

El placer de mentir.

Si saben inglés escuchen porque se entiende perfectamente.

Si no, se la dejo traducida abajo.

LIAR
Creíste que estabas viviendo tu vida sola
En la oscuridad y aislamiento... si, lo sé
Has estado tratando de mezclarte con los animales
Y eso sólo te dejó llena de humillante confusión
Pero el sentimiento de soledad nunca te dejó
Te persiguió donde quiera que ibas
Entonces me conociste y tu mundo entero cambio
Porque todo lo que digo es todo lo que siempre quisiste escuchar
Derribé tus defensas y todos tus miedos
Y estás tan ocupada sintiéndote bien que nunca preguntaste porque
Las cosas van tan bien
¿Quieres saber porqué
Porque soy un mentiroso, si
Soy un mentiroso, rasgaré tu mente y quemaré tu alma
Sólo gira hacia mí, Sólo gira hacia mí
Porque soy un mentiroso, mentiroso, mentiroso
Me esconderé tras una sonrisa y ojos comprensivos
Y te diré cosas que sabes que puedes escuchar:
"Realmente me identifico contigo, tanto..."
Vendré a ti como una aflicción pero
Te dejaré como una adicción...
Tú nunca me olvidarás...
¿Quieres saber porqué?
Porque soy un mentiroso, si
Soy un mentiroso, rasgaré tu mente y quemaré tu alma
Sólo gira hacia mí, Sólo gira hacia mí
Porque soy un mentiroso, mentiroso, mentiroso...
No sé porque siento la necesidad de mentir
Y causarte mucho dolor
Quizá es algo dentro
Quizá algo que no puedo explicar
Porque todo lo que hago es ensuciarte y mentirte
Soy un mentiroso, oh, soy un mentiroso
Pero si me dieras una oportunidad más
Te juro nunca te mentiría otra vez
Porque ahora he visto el poder destructivo de una mentira
Que es más fuerte que la verdad
No puedo creer que te haya herido
Te juro nunca te mentiría otra vez
Por favor, dame sólo una oportunidad más
Nunca te mentiré más, no,
Lo juro... Nunca diré una mentira,
Nunca diré una mentira, no, no...
¡Estúpida!, ¡estupida!, ¡estúpida!
Soy un mentiroso, si, soy un mentiroso, si
Me gusta, me siento bien, soy un mentiroso, si
Miento, miento... miento
Mentiré otra vez y otra vez
Y seguiré mintiendo, lo prometo.

LECCIÓN 2. Fijarse sólo en lo que hay

2008-10-10T05:05:00.001+02:00

Todos hemos ido alguna vez a una museo. Hemos leído los cartelitos o folletos de la exposiciones, hemos recibido visitas guiadas o explicaciones sobre obras de arte.
Y yo les pregunto, ¿cuántas ha satisfecho su curiosidad por entender el arte? ¿qué porcentaje es satisfactorio? porque los museos están para eso, ¿no?.
¿Saben cuál es la reacción habitual del público cuando se le explica una obra de arte? que intenta ver esa información que se le está dando en la obra pero lo que se le cuenta no es lo que tienen delante, son datos sobre el artista, el conjunto de su obra, el contexto histórico...
Entonces, ¿para qué vale estar enfrente de una obra si me están hablando de otra cosa? Y además me da corte preguntar porque a lo mejor esta persona no sabe responderme.
Otro caso muy frecuente en la información sobre arte es: Esta obra porqué es importante, esto que me cuentan no me aclara nada (¿¿se supone que me tengo que creer esto??).
Les pido, por favor, que cuando vayan a ver una exposición se limiten a ver lo que tienen delante, única y exclusivamente. Háganse sus propias preguntas.

(¿Esto por qué está hecho así?
¿Podría estar hecho de otra forma?
¿Qué ha hecho que el artista tome estas decisiones?
¿Qué consecuencias tiene haber optado por esto y no por otra cosa?)

Y no se preocupen, poco a poco iremos viendo todos los tipos posibles de obras y ya verán como, al final, tampoco era tan difícil.
Pero, repito, limítense a ver lo que tienen delante.

LECCIÓN 1. Al principio nadie sabía nada

2008-09-30T20:50:00.001+02:00

Después de muchos meses esperando para encarar este blog como es debido, por fin es hora de hablar de arte de una vez.
Y sin más rodeos, empecemos por ser honestos. Casi nadie, ni nadie que conocemos tiene ni idea sobre arte. Me refiero a algo muy sencillo de comprobar.
Piensen en los comentarios que hacen ustedes o los que les rodean cada vez que van a una exposición.
Todo lo que suelen decir es impreciso, aleatorio, subjetivo y les hace sentir, a menudo, como unos idiotas o unos ignorantes. O bien todo lo contrario, les parece que todo lo que han visto es BASURA SNOB.
Bueno, pues lo que voy a hacer en este blog es que ustedes sepan separar el grano (el poco que hay pero muy bueno) de la paja, que es todo lo demás.
Pero, sobre todo, aquí voy a ir al grano y no a la paja, ya me entienden.
Piensen en las veces que van al cine o leen una novela o un tebeo. Saben lo que han visto o leído y, en alguna medida, saben valorarlo. Pues con el arte no es así porque incluso los que dicen que saben venden la moto (qué pena) y de lo que suelen escribir, ni ellos saben lo que quieren poner.

Respecto al blog, la idea es que ustedes colaboren en la mayor medida posible con sus dudas, aclaraciones, puestas en cuestión de lo que yo les cuente y demás, para que todo quede claro.
Así que iré creando, poco a poco, un sistema de comunicación lo más fluido (im)posible.

Y ESTA VEZ NO PASARÁ UNA SEMANA ANTES DE ENTRAR EN MATERIA.
PROMETIDO.

Van a saber lo que es arte

2008-08-27T19:23:00.001+02:00

Antes de que la semana termine empezará una nueva etapa en este blog.

Espero que me perdonen

2008-06-06T19:34:00.000+02:00

Sobre la belleza de ciertas cosas no discuto.

ESTO ES UNA PROVOCACIÓN

2008-03-31T21:18:00.001+02:00

De un largo tiempo a esta parte tengo la sensación de que nadie, y hablo del mundo entero, es capaz de tener una idea que merezca la pena.Nada que nos ponga de acuerdo. Ya ni sexo, ni amor, riqueza,... nada parece que pueda ya sorprendernos.
Noto que la gente busca cada vez se va más atrás en el tiempo para encontrar influencias, inspiración, alegría (¡).Esto me preocupa porque soy artista y, básicamente es de lo que vivo, de las buenas ideas. Y no sé que pensar.

Y hablo del arte, pero también de la música, que todos reconocerán que cada vez hay más grupos y que cada vez son peores, de la literatura, del cine (hace cuanto tiempo que no va usted al cine?),...

Los discursos, es decir, lo que nos están contando, nos interesa cada vez menos. Es como una tristeza global. La cultura está en crisis, pero no ya porque nadie le haga caso sino porque cada vez merece menos la pena atenderla porque nos toca cada vez menos.

Cada día nos cuesta más vivir. Es una pena. El vacío nos está comiendo y pienso: ESTO NO PUEDE SER.

Cuando estudiaba en la universidad, en las clases de arte descubrí lo que era la posmodernidad. El recuerdo que tengo, hablo del recuerdo porque era algo que me daba asco y en lo que no lo he vuelto a escarbar, era que la posmodernidad era, básicamente, que lo creadores no se preocupaba de quienes les iban a ver (escuchar,...) y pensaban sólo en lo que querían contar. Por eso salían monstruos sin ningún interés. Supongo que era porque no tenía interés siquiera para quien lo hacía. Con el tiempo entiendo que este hecho posmoderno, esta enfermedad, ha convertido más y más a los creadores en obreros especializados que hacen su trabajo para seguir subsistiendo, cubren su rol y poco más, y todos lo asumimos.

Está el mundo enfermo? Yo creo que sí. Parece que nadie sabe nada, quien hace y quien juzga... no sé. Hay algo que no avanza, no prospera y nadie es capaz de ver lo que es. Me da mucha pena. Pero no se avergüencen, ríndanse, déjense llevar, claudiquen, a ver que pasa.

Sobre "Las paradojas del arte contemporáneo", en Babelia

2008-02-25T09:54:00.000+01:00

El sábado pasado, en Babelia, publicaban un artículo titulado “Las paradojas del arte contemporáneo”.
Un debate guiado por Antonio Muñoz Molina y en el que participaban:
Eduardo Arroyo, artista.
Jaume Plensa, artista.
Francisco Calvo Serraller, crítico.
Carmen Giménez, curator.
José Guirao, director de la Casa Encendida.
Soledad Sevilla, artista.

Sergio Prego, artista.

Se suponía que la mesa giraba entorno al tema del arte y el público y, sin embargo, nunca hablan de cómo educarlo.
Pienso que es porque ni siquiera ellos saben el material que están manejando, no saben qué contar de las obras (y además hay mucha basura).
Demasiadas veces tengo la sensación de que la gente del arte, sobre todos muchos artistas, no saben hablar.
Sinceramente, pienso que para que el público esté educado, hay que educarlo y para poder hacerlo hay que saber qué contar de las obras de arte.
Si no sabes de qué va tu obra utilizarás nombres abstractos como fuerza, empatía, intensidad, identidad, inquietud, individuo, dualidad,... o verbos como revestir (o incluso revertir!), subvertir, reinterpretar,... Así evitas meterte en complicaciones (a esto es a lo que llaman cultura “que hay que proteger”). Y quién tiene que proteger a quién de qué. Para llegar a dónde...
Y me pregunto yo, no sería más interesante que hubiera algún vínculo entre estas abstracciones y la vida real?. Así se conseguiría poder desproteger a los artistas porque se dedicarían a cosas que las personas del mundo real puede entender y disfrutar(piensen en las novelas, por ejemplo), e incluso habría demanda del público de más y mejor arte (se imaginan?).
Y la alusión de siempre es que el arte va por delante (ja!), que si este "proyecto" es un “work in progress” (ja ja!), que si el espectador es el que tiene que intentar entender (habrase visto cosa igual? se imaginan utilizar este argumento para defender una película?).
Hay demasiadas cosas en el arte que no sirven para nada. Ni para utilizar prácticamente, ni para reflexionar sobre algo (para llegar a algún punto que clarifique, se supone).
El arte no se puede convertir en un conocimiento si no se puede transmitir de unos a otros. Es una pena.

Aunque yo me comprometo. Ustedes deciden.

OBRA MAESTRA. Por el amor de Dios

2008-02-12T14:26:00.000+01:00

¡Por el amor de Dios!
Eso es lo que dijo la madre de Damien Hirst cuando éste le dijo la escultura que iba a hacer. Y decidió ponerle ese título.
La escultura le a costado a Damien 20 millones de euros de su bolsillo y la quiere vender por 72. Por lo que costó hacerla no parece mal negocio.

Pero, ¿qué es lo que tenemos delante?
Les voy a demostrar que ésta el la última obra maestra que ha dado el arte.
Es algo que admirar, un objeto de VALOR (por primera vez en mucho tiempo!), porque no está al alcance de ninguno de los que están leyendo esto (y por algo tan estúpido como piedras traslúcidas).
Ni siquiera podríamos tocarla y, los humanos, como somos así de simples, nos sigue pasando lo mismo que en los tiempos del pecado original.
Cuantos no irían a verla si la tuviesen a su alcance, me pregunto yo. Tanto por el coste como por lo retorcido de la idea.
Ninguno podríamos resistirnos. Nos deja en evidencia.
Se puede decir que es la joya más importante en mucho tiempo, yo diría que sí.
Representa la muerte pero también pone al descubierto cómo es la vida, por las luchas que quedarán para historias futuras al intentar hacerse con ella, ya sea comprándola o robándola (mejor aún) con un plan propio de novela.